Matrijaršija

LA ROUTE BALKANIQUE DE LA SOIE
sérigraphies art brut

 Exposition du 3 au 30 mai 2018
Vernissage le jeudi 3 mai de 18h à 21h – entrée libre

Halle Saint Pierre – à la Galerie

PRÉSENTATION

Dans le cadre du programme autour de l’exposition “Turbulences dans les Balkans”, le 3 mai s’ouvrira la troisième et dernière des expositions d’affiches et estampes en sérigraphie sorties des fourneaux du centre culturel autonome Matrijaršija à Zemun en Serbie. Cette dernière sélection (après celle des auteurs de bande dessinée non-alignée du festival Novo Doba et celle des expérimentations sérigraphiques) présentent le résultat de la collaboration de Matrijaršija avec le collectif Art Brut Serbia et quelques autres artistes de Belgrade.

La plupart des travaux présentés ont été réalisés collectivement dans l’atelier de Matrijaršija avec les artistes concernés, parmi les plus excitants des Balkans, spécialement pour cette exposition. Ces travaux uniques sont pour une grande partie réalisés sans plan et préparation en amont, couche après couche, sans but précis, là où le processus sérigraphique nous mène. Ils contiennent des variations et des répétitions, des situations hasardeuses et des résultats inattendus.

Sur différents supports, des pages de livres, des vielles cartes géographiques, de formats différents, sous forme de séries ou bien complètement isolés vous attendent : Le Moyen-âge de Goran Stojčetović, les Belles-filles de Joškin Šiljan, les Batailles d’Aleksandar Denić, les Robots de Miloš Petrović, les Miniatures d’Omča

Le centre culturel autonome Matrijaršija a été créé en 2014 à Zemun, quartier de Belgrade sur les bords du Danube en Serbie, de la fusion de deux associations et de nombreux collectifs d’artistes, dont Art Brut Serbia, quelques habitants et d’innombrables amis et collaborateurs. Sa (non)structure confuse comprend le festival Novo Doba, le réseau de petits éditeurs Fijuk, et les collectifs Mubareć, Dedice et Bitlsti. Dans cet étrange cadre s’est créé un espace pour la création non-institutionnelle, non-alignée et marginale, d’artistes qui souvent ne se considèrent pas comme tels, dont le discours et la création sont hors des circuits du monde de l’Art, hors du possible.

https://www.facebook.com/matrijarsija/

L’association Art Brut Serbia de Belgrade réunit des artistes au profil marginal, organise des expositions, des ateliers, des réunions professionnelles et des séminaires, de nouvelles formes de pédagogie et de formation des professionnels dans ce domaine. Elle collabore avec des institutions, des associations et de nombreuses organisation en Serbie et à l’étranger qui travaillent dans le domaine de l’Art brut. Il anime depuis trois ans l’atelier Art Brut studio dans le département psychatrique de l’ancien hôpital militaire VMA où il assiste les patients dans leur démarche artistique.

L’association Art Brut Serbia est membre de l’European Outsider Art Assosiation.

http://artbrut-inside.org/

  

Rabah MEHDAOUI

Rabah Mehdaoui est une personnalité bien connue à la Halle Saint Pierre qu’il fréquente depuis de nombreuses années. C’est un passeur de poésie, à la mémoire d’éléphant !

Il connait par cœur des dizaines de textes des grands classiques Benjamin Fondane, Aimé Césaire, Victor Hugo, Yacine Kateb, Charles Baudelaire, Jean Genet …  qu’il partage à sa  manière impromptue, avec les visiteurs et les passants interloqués, puis attentifs et émus.

Il donnera non pas une lecture, il vous parlera !

« Rabah ne déclame pas, il ne dit pas, il nous parle, droit dans les yeux, avec l’urgence de comprendre ces mots dont on saisit soudain tous les sens.
Les rimes sont secondaires, les prouesses littéraires accessoires, ce n’est pas un cours de poésie, ce n’est pas une énième récitation : c’est une transmission, du partage, un don.
Rabah n’est pas seulement fidèle au texte, il l’est au message et les mots de Fondane, Césaire, Hugo, Kateb et Baudelaire deviennent les nôtres.
Pas de colère surjouée, pas de larmes extirpées, l’émotion nait d’un alliage inattendu et subtil : la puissance – presque la violence – de la prose contraste avec la sérénité de celui qui nous parle.
On n’est pas pris à témoin, contraint au spectacle, on est acteur de chaque phrase.
On n’est pas acculé, sermonné, exclu, on est enveloppé d’une affection amicale, Rabah aime les poètes, Rabah aime les gens.
Et c’est à nous qu’il parle. »

Voir la vidéo interview, cliquez sur le lien ci dessous :

Festival Avignon Off 2014 – Rencontre avec Rabah Mehdaoui « Passeur de mots »

Rabah Mehdaoui est une personnalité du festival d’Avignon. Présent depuis de nombreuses années sur l’événement, il incarne des textes classiques au fil des rues de la ville, au détour d’une place. Rencontre avec un « passeur de mot ».

Son portrait ici

Alexis Gallissaires

Rencontre/dédicace autour du livre de

Alexis Gallissaires
Jour Blanc
Editions Allia, mars 2018

En compagnie de Gérard Berréby, fondateur et directeur des Éditions Allia

Samedi 26 mai à 15 heures – entrée libre

Halle Saint Pierre – à l’auditorium
Réservation conseillée : 01 42 58 72 89


Leporello — Dessins au crayon. 70 pages — 30 €

A ECOUTER

LES CARNETS DE LA CREATION – France Culture
Alexis Gallissaires invité d’Aude Lavigne.
https://www.franceculture.fr/emissions/les-carnets-de-la-creation/les-carnets-de-la-creation-du-lundi-23-avril-2018

A VOIX NUE – France Culture
Emission consacrée à Gérard Berréby.
https://www.franceculture.fr/emissions/series/gerard-berreby

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LE LIVRE

‘‘Il y a près de 4 ans, je songeais à un nouveau projet mêlant mes dessins à mes écrits. Depuis Jimmy, mon travail avait beaucoup évolué. Mes envies aussi avaient changé. À l’époque, mes dessins étaient représentés en galerie. Pourtant, je me sentais encore incomplet. J’ai commencé à rassembler mes idées et les images affluaient naturellement. Cependant, ces visions étaient martelées par le tambour des pages. Je voulais dessiner une rivière mais toutes mes intentions étaient conditionnées par la structure du cahier et les coups de poignards de ses pages. Je cherchais en vain, ma foi en mon travail s’épuisait. J’ai souvent pensé abandonner, m’avouer vaincu. Une nuit j’ai décidé d’arrêter et d’enterrer ce rêve de fleuve.

  

J’étais presque heureux. Mon livre était mort, mon avenir aussi. Parfois l’inconfort a ce talent de changer notre regard sur ce qui nous entoure. Quand j’ai vu cette longue table, je ne sais ce qui m’a fait l’envisager autrement, mais elle est apparue comme ma solution. Mon livre est devenu possible. Immédiatement, son hérédité fut révélée. J’ai revu la tapisserie de Bayeux, la colonne Trajan. J’ai repensé aux rouleaux de la Torah, aux codex mayas, aux fresques et bas-reliefs antiques. Je devais revenir à l’origine de la narration, aux bêtes noires et rouges sur les parois des cavernes. Je devais désapprendre le livre. Il me fallait être inculte.

 

J’ai commencé à dessiner et à écrire en même temps. C’était évident. J’étais heureux, au milieu de nulle part, à ma place. Je n’avais pas peur. Je savais que le papier savait tout, qu’entre les irrégularités du grain s’allongeaient déjà tous les dénouements.

Je voulais que les dessins soient l’inconscient du texte. Le seul bégaiement qu’il m’importait de montrer était celui de l’obsession. J’imaginais cet ‘éternel retour’. Dans ses répétitions seulement, l’avenir et le passé pourraient enfin mourir et ne plus jamais montrer que la paisible certitude du jour blanc. Je voulais dire combien la liberté est une
épreuve, combien la contrainte peut être un refuge.

Du deuil de cet ouvrage est né ce livre. Aujourd’hui, je ne m’en étonne plus. La mort est le berceau de chaque vie. La matière est en permanence recyclée comme dans un jeu de construction. Je voulais témoigner de ces métamorphoses et j’ai construit cet ouvrage comme une boucle. Dans ses rondeurs tournent les miracles de la réincarnation.

Jour blanc est un objet unique que nous voulions pourtant rendre accessible au plus grand nombre. Chaque instant de sa production fut un défi technique. Il est d’ailleurs intéressant de remarquer que le format du livre traditionnel a complètement découragé toutes les autres formes primitives de narration. Elles ont dû s’expatrier et tenter d’exister malgré tout dans la marginalité. Le ‘livre’ est un objet sacré. C’est un lieu de savoir, de liberté et d’émancipation. Il affranchit. Mais paradoxalement, l’intelligence et l’évidence de sa structure ont aussi invalidé toutes les autres possibilités. Ce faisant, ce classicisme formate aussi la pensée et la création. Une des lois fondamentales de la théorie de l’évolution veut que la contrainte engendre l’invention de réponses adaptatives. Jour blanc est le fruit de cet instinct.’’

Alexis Gallissaires

Jour blanc est une expérience sensuelle. Un voyage vertigineux de 16,10 mètres à dérouler, à déplier… Sa forme fut décidée par sa seule fonction, celle du métissage. Son format s’est imposé naturellement, il a même rendu ce projet possible. Dans cette frise organisée comme une boucle, les dessins n’ont pas pour vocation d’illustrer ou de répéter les mots. Non, ils sont davantage leurs rêves ou leurs cauchemars. Idéalement, il faudrait appréhender l’image comme ‘‘l’inconscient’’ de l’histoire, non comme son miroir. D’ailleurs, il n’y a pas des images mais une seule image qui mime tantôt le récit quand elle s’en souvient, tantôt le prédit.

EXTRAIT

‘‘Dans la chambre de Paul, tout est parfait. Tout est ordonné. Rien n’est inattendu et rien ne jure. Chaque relief a été effacé, même ceux qui ailleurs séparent encore les jours des nuits. Dans cette chambre, le temps bégaye, la symétrie d’un seul et unique moment. Cette monotonie, Paul l’entretient scrupuleusement car rien ne doit la briser. Alors il doit rester vigilant, il sait que la perfection exige des sacrifices. Après tout, chaque utopie est aussi une aliénation. Oui, entre ces murs, Paul a fondé une société idéale, entièrement dévouée à un seul objectif, un territoire où l’unique loi est celle de la perpétuelle égalité. C’est certain, Paul a créé un monde parfait, à ceci près, peut-être, que, dans ce monde, tout est faux. Mais, après tout, chaque rêve n’est-il pas aussi une hallucination ?’’
NOTICE BIOGRAPHIQUE

Alexis Gallissaires est né en l’an de grâce 1980 à Perpignan, une charmante bourgade nichée entre les Pyrénées et la Méditerranée.
En 2005, il a illustré le deuxième roman d’Oliver Rohe, Terrain Vague (Allia).
Son premier livre, Jimmy, est paru en 2006 (Allia). Par la suite, son travail a été présenté
par la galerie Alfa (Drawing Now, Armory Show et Art Paris).
Il a aussi collaboré à plusieurs revues et magazines (Inculte, Feuilleton, Technikart ou encore Transfuge).

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Éditions Allia – 16, rue Charlemagne 75004 Paris – 01 42 72 77 25 –
allia@editions-allia.com – contact : Benoit Bidoret

Joël Gayraud

RENCONTRE / DEDICACE

Joël Gayraud
La Paupière auriculaire
Éditions Corti

Samedi 12 mai à partir de 12 heures 30 – entrée libre

Halle Saint Pierre – à la librairie
Réservation conseillée : 01 42 58 72 89

LE LIVRE

Harcelé par le brouillage et la cacophonie médiatiques, l’homme contemporain est menacé de surdité mentale et émotionnelle. Il a le plus grand besoin d’interposer une paupière protectrice entre son oreille et le déluge d’informations qui l’assaille. C’est seulement ainsi qu’il pourra filtrer ce qui a du sens et mérite d’être pensé. Pratiquant cette écoute sélective, l’auteur interroge, sous forme de fragments allant de l’aphorisme au petit essai, tout ce qui, au fil des jours, sollicite sa vigilance ou sa rêverie : entre autres thèmes sont abordés ici le sens du mythe, la projection utopique, les passions de l’amour, notre rapport à l’animal et à la nature, le statut de l’objet, du langage et du livre, l’expression artistique, de Corot au Street art, de Kafka à Rimbaud, non sans quelques excursus philologiques et philosophiques du côté de Spinoza, Leopardi et Levinas. Une dérive ironique et critique qui cible les impostures toujours plus nombreuses sur le marché et exalte les occasions d’émerveillement qui se dévoilent dans les interstices d’une vie menée sous le signe de la poésie.

 

L’AUTEUR

Joël Gayraud.

Né en 1953 à Paris.
Essayiste (La Peau de l’ombre, Éditions Corti, 2004), poète (Clairière du rêve, Passage public, Ocelles), traducteur (Ovide, Érasme, Machiavel, Straparole, Leopardi, Pavese, Agamben). Publie des articles critiques et des textes poétiques dans de nombreuses revues françaises ou étrangères (Europe, Critique, L’Œuf sauvage, L’Or aux treize îles, Nomades, Analogon, Phosphor, A Phala etc.).

 

Extraits de presse

« Joël Gayraud cisèle aphorismes et réflexions variées comme autant de filtres contre le boucan extérieur »
(Frédéric Pagès, Le Canard enchaîné, 3 janvier 2018).

« Ce remarquable livre est l’héritier d’une noble tradition de fragments poético-philosophiques, qui va des moralistes du Grand Siècle jusqu’aux Minima Moralia de Theodor W. Adorno,  en passant par Novalis et Leopardi.  Joël Gayraud est quelqu’un dont l’idéal est de  “rêver au fil des jours,  aimer au fil de la nuit, écrire au fil de l’épée et vivre au fil du rasoir” […] Les aphorismes et fragments ici rassemblés […] constituent une dérive – au sens situationniste et surréaliste du mot – ironique et critique qui cible les impostures modernes sans renoncer à la quête du merveilleux.  »
(Michael Löwy, Blog Médiapart, 5 février 2018).

« Ces sujets s’entrelacent à des réflexions sur l’oubli, la représentation graphique de l’infini, le style de Céline. S’y mêlent aussi des appels à la “contamination généralisée des âmes” face à “l’hygiène mentale” et même des mises en garde : “La barbarie ne s’annonce pas toujours sous une forme barbare. Elle peut n’apparaître d’abord que comme une régression mineure de la civilisation.” Un roboratif bonheur de penser, tant, pour Joël Gayraud, la poursuite de la vérité et de la volupté sont inséparables »
(Richard Blin, Le Matricule des anges, n°191 mars 2018).

 

Joseph Kurhajec

Masques

Exposition du 2 au 30 avril 2018
Vernissage samedi 7 avril à partir de 15 heures
Halle Saint Pierre
– à la librairie

 

Joseph Kurhajec (né en 1938 à la frontière du Canada, dans le Wisconsin) est un artiste américain remarquable, dont la réputation serait établie depuis long temps si le triomphe de l’art “contemporain” international et l’hégémonie de l’approche conceptuelle de l’art n’avaient pas marginalisé les créateurs de son acabit. Après une enfance dans un ranch où ses grande parents, originaires de Tchécoslovaquie, étaient à la tête d’un élevage de visons, il choisit d’abord d’étudier la sculpture sur métal à l’Université du Wisconsin, mais c’est une exposition de fétiches du Congo à l’Art Institute de Chicago qui, en 1961, va décider de son orientation artistique: une sorte de néo-tribalisme où la céramique, la pierre, la corne, les cordes, la fourrure ou les ossements, se mêlent pour former d’étranges objets “chargés”, masques ou fétiches d’une civilisation primitive imaginaire. Ayant vécu et travaillé successivement à New York, à Rome et en Angleterre, Joseph Kurhajec s’est installé à Paris en 1987 et son art momifié (mummified art), plus tourné vers les sociétés archaïques, voire la préhistoire, que vers le futur, a été présenté dans de nombreuses expositions, personnelles ou collectives, aux Etats-Unis, au Canada et en Europe, ainsi qu’au Chili et en Inde. Il figurait déjà dans l’exposition Young America 1965 du Whitney Museum of American Art, à New York, à l’époque où l’art dominant prenait une direction opposée autour d’Andy Warhol. Aujourd’hui Joseph Kurhajec partage son temps entre son atelier parisien, sa maison-musée de Treadwell, au Nord de New York, et sa demeure mexicaine de Mérida, au Yucatan, où il avait étudié la culture maya dans sa jeunesse et pratique aujourd’hui la sculpture sur pierre. Ses collages d’éléments reptiliens sur fonds apocalyptiques ou antédiluviens semblent la métaphore inquiétante des régressions cosmiques qui se préparent.

Laurent Danchin

HEY

RENCONTRE / DÉDICACE

HEY !
REVIENT À LA HALLE SAINT PIERRE

HEY! Modern Art & Pop Culture fête sa nouvelle formule
DELUXE #1

SAMEDI 7 AVRIL de 16H30  à 17H30 – entrée libre

À l’occasion de la nouvelle formule de la revue d’art HEY! modern art & pop culture, Laurent Martin et Pascal Ory (historiens spécialistes de la culture contemporaine) seront aux côtés de Anne & Julien, commissaires d’exposition et fondateurs de la revue d’art HEY! modern art & pop culture. Ensemble, ils commenteront l’action de HEY!, et son impact.

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NOTICES BIOGRAPHIQUES

Pascal Ory
Pascal Ory est professeur émérite à la Sorbonne-Paris 1. Ses travaux portent sur l’histoire culturelle et sur l’histoire politique des sociétés modernes. Il enseigne également à l’INA. Il est aussi critique de bande dessinée et Régent du Collège de ‘Pataphysique.

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Laurent Martin
Professeur d’histoire à l’université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle, ses travaux portent sur l’histoire culturelle contemporaine en Occident.
Dernier ouvrage paru : Les Censures dans le monde, XIX-XXIe siècles, Presses universitaires de Rennes, 2016.

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Anne & Julien
Co-fondateurs de la revue d’art internationale HEY! modern art & pop culture, auteurs, commissaires d’exposition indépendants (expositions HEY!,“Tatoueurs, Tatoués”) ou encore auteurs / performeurs / metteurs en scène au sein de leur troupe HEY! La Cie, ils œuvrent dans le milieu de l’art et les sphères musicales depuis 1986, analysant et transmettant les subcultures qui les passionnent. Anne De HEY! dirige la conception éditoriale et les textes des catalogues d’expositions. Julien De HEY! est « Djubaka », programmateur musical sur l’antenne de France Inter depuis 2000, en charge d’une quinzaine d’émissions quotidiennes et hebdomadaires.

+ d’infos sur HEY

Le temps retrouvé de l’art

Art et Thérapie
Institut National d’Expression, de Création, d’Art et Thérapie

(Revue et établissement d’enseignement supérieur de médiation artistique et d’art-thérapie)
organise le
Séminaire mensuel à la Halle Saint-Pierre
Sous la direction de Jean-Pierre Klein

Le temps retrouvé de l’art

La mythologie grecque, l’histoire de la photographie, la géronto-psychiatrie, la phénoménologie, les neurosciences, l’esthétique, nous ont accompagnés cette année tous les mois pour des reconquêtes afin de nous aider à parvenir à une temporalité artistique de symbolisation. Nous avons abordé les dimensions temporelles de l’appropriation subjective de la fabrication des images et imageries de nos mystères.

La dernière journée comme chaque année est consacrée à l’art et à l’art-thérapie

Samedi le 16 juin 2018, toute la journée, de 11 heures à 18 heures 

Le temps de l’art-thérapie

Expériences, ateliers, performances, contes, et conférences sur le thème du temps avec artistes, professeurs de l’inecat, et la participation exceptionnelle de :
Levent Beskardes, poète gestuel, comédien et metteur en scène
en Langue des Signes Française,
Anna Mindess, spécialiste californienne de la communication interculturelle
par les signes
Armand Volkas, un des pionniers de la dramathérapie américaine
&
les artistes et art-thérapeutes Laureline Dalmau, Cécile Huré, Catherine Langlamet, Clotilde LargillierMarion Wassermann
Interprète : Muriel Etcheber

Playback Theatre

Armand Volkas est psychothérapeute et dramathérapeute ainsi que directeur du Centre de soutien et arts vivants à Oakland, en Californie.
Il y dirige un programme pour des étudiants et des thérapeutes qui souhaitent intégrer la dramathérapie dans leur pratique. La dramathérapie intègre l’improvisation théâtrale et le psychodrame comme outils thérapeutiques. Il a développé des programmes innovateurs utilisant la dramathérapie et les art thérapies expressives pour le changement social, la résolution de conflit interculturel, la réconciliation et la communication interculturelle.

Thème de l’année prochaine janvier à juin 2019 : La violence à l’œuvre : de la violence réelle à la violence symbolique

Halle Saint Pierre – à l’auditorium
Réservation conseillée : 01 42 58 72 89
Entrée pour la journée : 15 €  (7 € pour les élèves INECAT carte d’adhérent de l’année)

INECAT/Art et Thérapie,
www.inecat.org
https://www.facebook.com/Inecat-1880624175490362/ 


Le temps retrouvé de l’art

Le temps est un enfant qui joue aux dés, Héraclite (Fragment n°52)

La politique de l’économie de marché s’étend maintenant à la sphère de l’art désormais soumise à une incitation permanente à consommer et à ne plus penser. Ainsi s’abolit le temps personnel de l’émotion artistique et de la possibilité pour chacun de devenir, d’advenir, soi-même comme créateur.
L’art, la thérapie, l’art-thérapie, la géronto-psychiatrie, la philosophie, les neurosciences, les psychanalyses, les technologies numériques, l’esthétique peuvent-elles offrir des terrains à des reconquêtes ?
Il urge cependant pour tous de parvenir à un champ personnel de symbolisation qui soit propre à chacun et, du coup, toucher ses semblables. Nous avons choisi cette année d’aborder les dimensions temporelles de l’appropriation subjective de la fabrication des images et imageries de nos mystères.
Les intervenants nous feront partager leurs réflexions engagées comme porteuses d’un sauvetage espéré du chaos trop ordonné d’un monde qui court vers son suicide.

Être ou ne pas être ? Être et ne pas être comme le veut le temps, René Char

PRÉSENTATION DU SÉMINAIRE 2018 PAR JEAN-PIERRE KLEIN


PROGRAMME 2018

Le 20 janvier 2018

François Dingremont, anthropologue de l’art et spécialiste de la Grèce archaïque :
le Kaïros et le temps de l’inventivité

Le 17 février 2018
Jean-Marie Baldner/Yannick Vigouroux, critiques d’art et historiens de la photographie : Les pratiques archaïsantes dans la photographie contemporaine : explorer d’autres temporalités ?

Le 17 mars 2018
Stéphane Charpier, professeur de neurosciences :
Le temps des neurones: le miroir de notre avenir

Le 21 avril 2018
Cyril Hazif-Thomas, gérontopsychiatre :
Comment les malades d’Alzheimer retraitent le temps

Le 19 mai 2018
Pascal Dupond, philosophe : Existence et temporalité

Le 16 juin 2018 toute la journée :
Le temps de l’art-thérapie avec artistes et art-thérapeutes

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Programme détaillé de l’année : klein.jpkev@gmail.com
entrée 10 € (5 € pour les élèves INECAT carte d’adhérent de l’année)
communication@hallesaintpierre.org Tel : 01 42 58 72 89
INECAT/Art et Thérapie, 27, rue Boyer, 75020 Paris, www.inecat.org

Rencontres en Surréalisme

Conférences
organisées par Françoise Py
chaque deuxième samedi de janvier à juin 2018
dans le cadre de l’Association Pour la Recherche et l’Etude du Surréalisme (L’APRES)
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Samedi 9 juin de 15h30 à 18h, entrée libre

Quatre femmes de tête :
Claude Cahun, Leonor Fini, Meret Oppenheim et Toyen.

   

par Monique Sebbag
Lectures par Charles Gonzales

Halle Saint Pierre – à l’auditorium
Réservation conseillée : 01 42 58 72 89

Notices biographiques

Claude Cahun, née Lucy Schwob (1894-1954), est à la fois écrivain, femme de théâtre, et photographe.

Intimiste, poétique et largement autobiographique, l’œuvre de Claude Cahun, qui s’étale sur une vaste période allant de 1910 à 1954 — peu avant sa mort —, échappe aux tentatives de classification ou de rapprochement. Ce sont sans doute ses autoportraits qui ont suscité le plus d’intérêt. L’artiste s’y sert de sa propre image pour démonter un à un les clichés associés à l’identité. Claude Cahun s’est réinventée à travers la photographie (comme à travers l’écriture), en posant pour l’objectif avec un sens aigu de la performance, habillée en femme, en homme, cheveux longs ou crâne rasé (chose des plus incongrues pour une femme de l’époque).

Longtemps méconnue, l’œuvre photographique de Claude Cahun s’est imposée ces dernières années comme l’une des plus originales et des plus fortes de la première moitié du XXe siècle. Elle marque rétrospectivement un jalon capital dans l’histoire du surréalisme tout en faisant écho à l’esthétique contemporaine.

(extrait communiqué exposition au Jeu de paume, 2011)

+ d’infos

Leonor Fini est née à Buenos Aires le 30 Août 1907. Elle passe son enfance à Trieste auprès de sa mère, de ses grands-parents et de son oncle. La famille Braun est très liée à l’intelligentsia triestine : Italo Svevo, Umberto Saba et James Joyce. Elle ne fréquente aucune école d’art et sa formation est entièrement autodidacte. D’où, sans doute, la difficulté de l’identifier à un courant particulier de l’art contemporain, son évolution ayant surtout été marquée par des affinités électives et par son propre « musée imaginaire ».

En 1931, Leonor quitte sa famille et s’établit à Paris où elle présente, l’année suivante, sa première exposition personnelle à la Galerie Bonjean, dont Christian Dior est le directeur.

Elle se lie d’amitié avec Henri Cartier-Bresson, André Pieyre de Mandiargues, Georges Bataille, Max Jacob, Paul Eluard, Max Ernst, sans jamais cependant appartenir au groupe surréaliste.

Les années d’après-guerre resteront pour le grand public celles de l’entrée en scène de Leonor Fini : création de masques, participation à de nombreux bals costumés, décors et costumes pour Le Palais de Cristal de Georges Balanchine, à l’Opéra de Paris, Les Demoiselles de la Nuit de Roland Petit, au théâtre Marigny, L’Enlèvement au Sérail, à la Scala de Milan ainsi que pour des pièces en collaboration avec Jean Mercure, Jacques Audiberti, Albert Camus, Jean Genet, Jean Le Poulain.

Passionnée de littérature et de poésie, Leonor illustra plus d’une cinquantaine d’ouvrages, dont les œuvres de Charles Baudelaire, qu’elle admirait profondément, celles de Paul Verlaine, de Gérard de Nerval, d’Edgar Allan Poe. Parallèlement, elle continua de créer décors et costumes pour l’opéra et le théâtre : « Tannhaüser », à l’Opéra de Paris (1963), « Le Concile d’Amour » d’Oscar Panizza, au Théâtre de Paris (1969) et également pour le cinéma : « Roméo and Juliet » de Renato Castellani (1953), « A Walk with Love and Death »de John Huston (1968). De nombreux écrivains et peintres lui ont consacré des monographies, des essais, des poèmes : Paul Eluard, Giorgio de Chirico, Mario Praz, Max Ernst, Yves Bonnefoy, Constantin Jelenski, Jean-Claude Dedieu.

Debut 1960, Leonor Fini s’installe à Paris, dans un appartement, rue de la Vrillière, entre le Palais Royal et la Place des Victoires. Elle y vécut, entourée de ses amis et de ses chats, ainsi que dans sa maison de Saint-Dyé-sur-Loire, en Loir-et-Cher, jusqu’à sa disparition le 18 janvier 1996.

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Meret Oppenheim,
est écrivaine, peintre et plasticienne surréaliste suisse. Elle est membre du mouvement surréaliste des années 1920 aux côtés d’André Breton, Luis Buñuel ou encore Max Ernst. Meret Oppenheim naît à Berlin-Charlottenburg le 6 octobre 1913,  elle décède à Bâle le 15 novembre 1985.

En 1932, Meret Oppenheim part à Paris, elle y fréquente le cercle d’André Breton, Marcel Duchamp et Max Ernst. Elle participe au Salon des Surindépendants. Les photos de Meret Oppenheim nue, prises par Man Ray, font leur apparition.

En 1936 elle fabrique entre autres des bijoux en tubes de métal recouverts de fourrure. Meret Oppenheim crée « Le Déjeuner en fourrure », une oeuvre constituée d’une tasse, de sa soucoupe et d’une petite cuillère recouvertes de fourrure. Sa première exposition individuelle a lieu dans la Galerie Marguerite Schulthess à Bâle.

En 1937, Meret Oppenheim participe à une exposition de groupe des surréalistes. Une longue crise qui durera jusqu’en 1954 commence alors. Elle continue cependant à travailler mais détruit ses œuvres ou les laisse inachevées.

En 1954, Meret Oppenheim s’installe dans son propre atelier à Berne. En 1958, une période de création intense commence. Elle reprend souvent des esquisses, des projets et des idées de son époque parisienne. En 1959, elle organise le Frühlingsfest (Fête de printemps) où le repas est servi aux invités sur le corps d’une femme nue. Quelques mois plus tard, le Frühlingsfest est à nouveau organisé dans la Galerie Cordier à Paris à l’occasion de l’Exposition Internationale du Surréalisme.

En 1985, Meret Oppenheim travaille à une sculpture de fontaine pour les jardins de l’ancienne école Polytechnique de Paris. Elle décède le 15 novembre d’un infarctus le jour du vernissage de son livre « Caroline » qui contient des poèmes et des eaux-fortes. Elle est enterrée dans le caveau de famille à Carona.

+ d’infos

Marie Čermínová, dite « Toyen », née à Prague le  et morte à Paris le , est une artiste peintre tchèque surréaliste.

C’est la rencontre de Toyen avec le peintre Jindrich Styrsky, au début des années 1920, qui est décisive pour la vie de cette femme originale et secrète. Marie Cerminova, qui prend le pseudonyme Toyen, créé avec Styrsky une espèce d’alliance qui permet aux deux artistes de s’inspirer mutuellement et de se compléter. Après une période cubiste, Toyen et Styrsky inventent un mouvement artistique original, l’artificialisme, avant de se joindre au surréalisme. Ils sont membres fondateurs du groupe surréaliste tchèque qui voit le jour en 1934. Styrsky meurt en 1942.

Restée seule, Toyen poursuivra son oeuvre. Elle fuira le danger communiste, rejoindra à Paris son ami André Breton et deviendra, comme lui, un personnage emblématique du mouvement surréaliste. Elle s’affirmera comme un peintre capable de développer les principes du mouvement et de l’enrichir d’une façon personnelle et profonde. L’inconscient, l’angoisse existentielle, le rêve fantastique et l’érotisme hardi – tels sont les grands thèmes de ses visions. Elle réussit à les exprimer, à les matérialiser sur ses tableaux avec une technique picturale de plus en plus perfectionnée.

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Remo Guidieri

Rencontre avec Remo Guidieri
pour la publication de son livre
Intérieur avec ruines
aux Éditions Carnets-Livres

Samedi 7 avril 2018 de 14h15 à 15h30 – entrée libre

Halle saint Pierre – à l’auditorium


Photographie : D. Besace

LE LIVRE

Intérieur avec ruines de Remo Guidieri

L’ouvrage rassemble six essais composés entre 1979 et 2015 :
Après Bougainville
Le primitivisme aujourd’hui
Post-scriptum
Paganismes
L’adieu aux armes
De petites illusions

Ce sont des réflexions sur notre manière d’observer et d’évaluer le monde présent, à penser l’altérité sans y déverser ces besoins qui la neutralisent et l’aplatissent. Une réflexion sur notre propension à établir des barrières qui dénaturent toute innocence, tout regard enthousiaste sur la différence, qui repoussent vers un passé effacé et altéré l’origine du sens, celui même qui nous fait Modernes. Une réflexion précise qui établit un réseau de pensées, entre le passé et le présent, l’oubli et le mensonge, l’invisible et le caché, dans le but de rester en éveil, de solliciter la critique aux fausses évidences, à garder une indépendance d’esprit qui ne se laisse pas bercer par les séductions du monde actuel.

Ce ne sont pas seulement des témoignages d’indépendance de jugement. Par leur écriture et leur liberté, leur volonté de décrypter les « écho-systèmes », ce sont aussi des compagnons de vie.

Extraits 1
Les choses du musée sont aussi des marchandises. En quoi elle le sont aussi c’est toute la question. Et si elles le sont c’est contradictoirement, car elles ne circulent plus ou circulent autrement, et surtout par des « prêts » parasités par les « assurances » dont le coût  pèse d’un poids exorbitant sur le budget général de toute exposition.

Le grand mystère de l’accumulation muséale : on s’arrête à la surface des choses accumulées qui recouvre le grouillement des interrogations sur les raisons de ce cumul, comme sur son utilité ( « éducative » ), ce qui revient presque au même. Mais leur symbologie et leur efficacité se veulent post-utilitaires, ce qui ajoute à la mystification la banalisation des choses.

Extrait 2
Je soutiens que si le paganisme connaît les interdits et les transgressions, il ne connaît pas la culpabilité. Elle apparaît avec l’Alliance. Dans le paganisme occidental c’est le tragique et non la culpabilité qui « donne le sens ». La seule « rédemption » qu’il proposait était le sacrifice, mimesis du crime. L’épilogue du tragique donne rendez-vous avec un autre recommencement. Cycle répétitif qui ne se brise pas. On peut se demander quand serait possible dans ces circonstances la « purification » proposée par Aristote à travers la scène, ou si au contraire nous sommes dans le dépassement de la Faute, puisque l’Esprit doit évoluer et devenir Progrès, « s’émanciper ». Le progrès en gagnant gagnerait aussi sur la Faute.

Extrait  3
Ce qu’on peut apprendre des cultures d’Océanie ( pour se limiter à celles que je connais le mieux ), peut se résumer ainsi : l’Interdit n’est pas le Sacré.  L’interdit est un nom ( celui de l’entité ancestrale ), ou un surnom ( ainsi le « Tout Puissant », ou « Lui » ) et un adjectif caractérisant son, ses, effet[s]. Il désigne une entité et nomme, pour celle-ci et pour une autre qui est différente de lui ( avec laquelle il constitue une sorte d’ontologie complémentaire ), en l’occurrence la femme, l’évitement à respecter. La relation d’implication se change en homonymie entre la substance et la règle, l’essence et l’action.

Extrait 4
La concentration de la vitesse, de l’ubiquité, et de l’uniformisation, produit des effets déjà aperçus par les artistes des avant-gardes du siècle dernier : spectralité, irréalité, prostitution et marchandisation — une seule et même chose — sans limites.

Promiscuité, prosaïsme, erreur spirite, dynamique de la dette, usure planétaire, anxiété boulimique, mimésis devenue plagiat, et gaspillages qu’aucune « part maudite » à neutraliser ne peut plus justifier.

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NOTICE BIOGRAPHIQUE

Remo Guidieri, professeur d’anthropologie et d’esthétique à l’Université Paris Ouest Nanterre – La Défense ( de 1970 à 2007 ) et Permanent Visiting Professor, depuis 1986, à la Cooper Union School of Architecture, New York.

Venu de Turin pour étudier l’anthropologie, Remo Guidieri fut élève de Claude Lévi-Strauss au sein du laboratoire d’anthropologie sociale du Collège de France alors nouvellement créé. Rapidement, il se détourna du structuralisme de son maître pour poursuivre son approche de l’altérité humaine qui devait le conduire dans les îles Salomon, à Mailaita chez les Fataleka.

Il se verra confier aux éditions du Seuil la collection « Recherches anthropologiques », une collection qui permettra de faire connaître au public français des penseurs phares de l’anthropologie comme Gregory Bateson (Vers une écologie de l’esprit ; La nature et la pensée), Arthur Maurice Hocart (Rois et courtisans), Rodney Needham (La parenté en question), Bronislaw Malinowski (Journal d’ethnographe) ou encore Miguel León Portilla (La pensée aztèque).

Remo Guidieri sera aussi le premier anthropologue en France à s’interroger en profondeur sur l’esthétique des populations non occidentales. Il inaugura ainsi, au sein du département d’ethnologie et de sociologie comparative de l’Université Paris Ouest Nanterre – La Défense, un enseignement régulier sur l’étude des formes non occidentales qui donnera lieu à la création d’un certificat « d’anthropologie esthétique », repris à la Cooper Union (New York).

Auteur prolifique, publiant aussi en Italie, en Espagne ou aux États-Unis, il confie depuis plusieurs années ses nouveaux livres à l’éditeur Daniel Besace des éditions Carnets-Livres : Trois essais sur les pièges et les outils (2007), Miroir du Vestibule(2009), Après Bougainville (2010), Géométrie sauvage (2012), La mort avant, après (Carnets-Livres, 2015).

(extrait du site de la BnF)

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Les éditions Carnets Livres
ont été créées en 2005 par Daniel Besace & Francine Chatelain.

Notre désir est de publier de beaux livres fabriqués à la main,

édités à peu d’exemplaires et diffusés par des libraires amis.

Chaque livre est imprimé, façonné et relié par nos soins,
il faut compter à peu près 1 heure par livre.

Nous fabriquons environs 100 livres par mois.
Nous diffusons et fabriquons donc lentement.

livres fabriqués
chez nous
petite imprimante
temps extensible
pas trop pressé
limiter le nombre

tous sont imparfaits

avec souvent le choix de ne pas fignoler
le plaisir de l’infini
un peu de pressionet des exigences
chaque matin se lever et fabriquer quelques livres
qui seront diffusés par nos soins
vendus ou offerts
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Camille et Nikita Kravtsov, « The tooth and the Root »

Moving embroideries

Exposition du 2 au 29 avril 2018
Vernissage jeudi 5 avril de 18h à 21h – entrée libre

Halle Saint Pierre – à la Galerie

 

L’artiste ukrainien Nikita Kravtsov et l’artiste française Camille Sagnes Kravtsova
sont partenaires dans la vie et dans leur recherche artistique. Depuis 2015 ils ont réalisé de nombreuses créations ensemble avec des médiums variés, l’audiovisuels, la peinture et la broderie, afin de donner corps à une critique sociale qui fait ressortir l’absurde.

Déclaration L’absurdité est notre réaction au monde qui nous entoure, à la société et à son fonctionnement. L’absurde échappe à toute logique, fait ressortir l’insensé, l’aberrant. Tout peut incarner l’absurde, un comportement, une image… Le monde lui-même devient absurde et cela ne choque plus, tant cela est désormais la règle.

Nous marions le travail long et méticuleux de la broderie avec des esquisses nerveuses, expressives et vivaces. Les lignes impulsent un mouvement cinétique, une tentative d’illusion optique, un mouvement court et rapide fixé par l’image brodée. La fusion de deux rythmes opposés – la rapidité du dessin et la lenteur de la broderie – donne naissance à une image en 2D. D’un point de vue métaphorique et philosophique c’est le lièvre qui avance au pas de tortue. Ce qui nous intéresse c’est la relativisation de la vitesse.

Pourquoi la broderie ? Car c’est une technique artisanale, un savoir en passant d’être oublié. La broderie est un ornement décoratif sur un tissu.
Pourquoi l’esquisse ? Car c’est l’inachevé, le premier pas, une annotation dans une recherche, la préparation d’une oeuvre, tout sauf un produit fini.

Le long lent processus de la broderie donne au dessin inachevé sa chance d’émerger. Par le croisement de ces deux techniques ressort le langage absurde qui exprime et illustre notre regard sur le monde.

Nous avons également recours à des revues anciennes, des années 20, ainsi qu’à des torchons imprimés, afin de composer des images et donner un sens nouveau à des objets surannés. À travers notre travail nous sommes témoins de la violence et souhaitons transmettre un message contre la guerre, comme dans nos deux derniers clips « la guerre est finie » et « guerre froide ».

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